Il Solarpunk dell’avvenire. Intervista a Tim Six

La musica vaporwave ha iniziato a diffondersi grossomodo intorno al 2010. Un genere che ha dato vita a dischi memorabili, ma che probabilmente verrà ricordato più che altro per aver dato il via ai più impensabili e stravaganti immaginari delle sottoculture internettiane. Attraverso la vaporwave si è potuto assistere alla rivalutazione (spesso non solo ironica) di generi musicali letteralmente dimenticati come lo smooth jazz, la muzak, il lounge più solare e la fusion. Ma la vaporwave ha anche fortemente incentivato interessantissime proposte derivanti dall’ambient e dalle sonorità più eteree. C’è tutta una frangia di musicisti che vede la vaporwave come una sorta di nuova ambient arricchita dai nuovi linguaggi della post-internet art. È proprio con questa attitudine che musicisti come il misterioso T e l e p a t h テ レ パ シ ー 能力 者 hanno portato il loro contributo a questo genere. L’etichetta Virtual Dream Plaza, gestita dallo stesso T e l e p a t h, assieme a poche altre, come ad esempio Dream Catalogue, sono tra i promotori più arditi di questa filosofia. Nel catalogo Virtual Dream Plaza danno all’occhio gioielli come quelli di Golden Living Room, 2814, Origami Girl, i dischi dello stesso T e l e p a t h, ma anche le lisergiche suite di Tim Six, autore originario della Crimea ma residente a San Pietroburgo.

Attraverso i lavori di Tim Six è possibile ragionare su alcune questioni. I suoi lavori si snodano principalmente su due livelli: uno più oscuro e legato alle possibilità estetiche del droning, l’altro incentrato su questo nuovo tipo di ambient di cui si parlava poco sopra. Parlare di “nuovo tipo di ambient” è reso possibile dal fatto che lo stesso Tim distingue nettamente questi due diversi tipi di approccio all’ambient, anche circoscrivendoli entro progetti che hanno nomi diversi (come spiegherà di seguito nell’intervista). È interessante notare come gente nata dalla seconda metà dei Novanta si possa approcciare alla musica ambient facendolo direttamente e solamente attraverso queste correnti della vaporwave, magari omettendo una lunghissima tradizione ambient che inizia a sorgere addirittura agli inizi del secolo precedente mediante la musica classica e accademica e che dagli anni Sessanta esplode con i synth attraverso forme più popular.

Inoltre, il lavoro di Tim ci offre gli strumenti per capire quanto un genere tutto sommato di nicchia come la vaporwave, attraverso i nuovi media, abbia preso piede in ogni angolo del mondo, anche in territori non proprio fortemente emancipati, come può essere ad esempio la Russia. Stimolato da queste riflessioni, ho deciso di porre alcune domande al diretto interessato.

Da quello che so, hai iniziato a fare musica principalmente attraverso drone ambient e dark ambient. Come riesci a conciliare un genere così oscuro con quello quasi new age dei tuoi progetti ambient più eterei, come per l’album All meat is grass?

Ebbene, quando guardo la mia discografia mi rendo conto che i lavori “dark” e “light” sono sempre stati lì, a cicli. Ad esempio, il mio album del 2009 Apeiros può essere facilmente etichettato come dreamtone o ambient/new age, ma ce ne sono anche altri simili sparsi nel corso degli anni. Onestamente, non ho mai pensato molto al fatto che le cose fossero oscure o meno, semplicemente seguivo l’argomento che volevo esplorare o sul quale volevo riflettere, oppure mi lasciavo guidare dagli eventi della mia vita personale. Ogni album ha una storia per me, quindi in questo modo la mia musica rappresenta una specie di diario senza parole. C’è anche una divisione tra Creation VI e Tim Six, alias che alla fine sono nati dalla differenza di intenzioni e metodi messi in musica: Creation è più narrativo e basata sull’acustica (la maggior parte degli album contiene zero synth ma solo registrazioni sul campo manipolate e la mia voce) e Tim Six sono per lo più synth/elettronici e meno narrativi, ai limiti del puro drone. Ad un certo punto ho iniziato a percepire Creation VI come qualcosa di “fondamentale” in me, perché questa musica tende a un terreno arcaico e rituale, esplorando l’atmosfera degli inizi della musica: il “drone preistorico” come mi piace chiamarlo… Ma c’è sempre stato il lato più razionale di me che voleva esprimere alcune cose complesse, come la fisica quantistica o la filosofia del deep listening. E quello che mi piace di più è che quelle divisioni non hanno mai funzionato del tutto perché dopotutto faccio semplicemente musica per droni, e tutte queste cose sono dialettiche nel classico senso hegeliano: si tratta più o meno della stessa cosa.

Scorrendo i titoli dei tuoi dischi, balzano all’occhio titoli come Entelecheia o Dialectica. Qual è il tuo rapporto con la filosofia?

Beh, è ​​qualcosa che mi ha sempre interessato, anche se non ho mai ricevuto alcuna istruzione formale in filosofia. Ma lavorare su una musica come il droning ti porta naturalmente a chiederti che cos’è la musica e perché gioca un ruolo così importante nelle nostre vite. Ma anche cose sulla percezione, sul processo stesso di ascolto – anche perché la musica è qualcosa che esiste al limite tra fisica pura e metafisica, forse anche ontologia. Dialectica è probabilmente il lavoro più diretto in questo senso, che illustra come il suono del drone possa essere statico o dinamico allo stesso tempo, semplicemente a seconda della propria scelta di percezione.

Ci sono anche altre splendide applicazioni del droning che ti portano alla filosofia, come quando riempi la stanza con il denso cluster sinusoidale statico e iniziando a camminarci intorno scopri che l’immagine del suono cambia drasticamente a seconda delle tue coordinate nella stanza. Una cosa che somiglia alla filosofia della fisica quantistica, il fatto che l’osservatore è sempre la parte dell’immagine e che praticamente tutto nell’universo potrebbe essere connesso in qualche modo. Il che non fa problema con un po’ di esoterismo e misticismo ma, ancora una volta, il tutto dovrebbe essere esaminato razionalmente… Queste sono alcune delle cose di base con cui ho iniziato il mio viaggio musicale, quindi immagino che ne faranno parte per sempre.

Potresti darmi la tua definizione personale di vaporwave?

Non è così facile mettere un concetto così ampio in una definizione semplice, ma direi che la vaporwave è un metodo per lavorare con il materiale sonoro, il che implica che puoi costruire qualcosa di nuovo usando solo musica esistente in precedenza e una certa estetica ad essa collegata. L’idea del campionamento è piuttosto vecchia, ma la vaporwave è stato il primo genere a portarla all’estremo e a costruire una certa filosofia su di essa. Campioni non solo la musica, ma il contesto in cui è stata creata. Le melodie sdolcinate del sax non significherebbero nulla senza il loro attaccamento a certi tropi, come ad esempio lo stile di vita di lusso o la moda che la vaporwave esplora. È abbastanza simile a come sono fatti i meme: prendi qualcosa e gli dai un nuovo significato cognitivo dissonante. È un metodo di utilizzare l’ironia e il postmodernismo, ma alla fine è diventato qualcosa di più di una semplice satira e si è evoluto in un’estetica sfaccettata ma coesa, che sembra piuttosto romantica e per nulla postmoderna. In un certo senso, la vaporwave non è altro che il mito dell’Eden perduto, reinventato nel mondo virtuale.

Come viene percepito questo fenomeno in Russia, il luogo in cui vivi?

Essendo un genere cosmopolita, alla vaporwave raramente interessa la geografia del mondo reale, ma quando ho iniziato a esplorare ciò che Russia, Ucraina e altri paesi post-sovietici hanno da offrire ho trovato molti artisti e fan sparsi ovunque. La città in cui vivo, San Pietroburgo è probabilmente la più entusiasta da questo punto di vista, dato che riusciamo persino a organizzare alcune feste vaporwave dal 2015-’16 e due anni fa hanno addirittura aperto un bar a tema vaporwave chiamato “Diskette Lounge”, che ospita alcuni DJ e spettacoli dal vivo occasionali insieme a un sacco di vecchie TV e console di gioco rétro. Non posso dire che sia super popolare (il posto e il genere, in generale) ma ha avuto il suo seguito e a volte le persone mi chiedono di fare il DJ di vaportrap o slush in altri locali del luogo. Considerando le cassette e chi supporta la mia etichetta, sfortunatamente i clienti locali sono solo l’1% dell’intero pubblico e non so davvero perché, a causa della mancanza di fondi o dell’interesse nel collezionare documenti fisici. Qui mi viene ancora spesso chiesto “perché le cassette?”, anche se è stata una tendenza mondiale per più di un decennio e ho lavorato molto sia con le mie etichette sia con i blog per promuovere il formato in questi anni.

Credo che T e l e p a t h テ レ パ シ ー 能力 者 sia uno degli artisti più importanti degli ultimi decenni. So che sei in qualche modo in contatto con lui/lei. Puoi dirmi come vi siete conosciuti e che rapporto avete? Cosa ne pensi della sua musica?

Sono d’accordo con te, Telepath è estremamente talentuoso ed è difficile sottovalutare la sua influenza. La sua “slushwave” è stata la ragione per cui sono stato coinvolto nella vaporwave e i suoi droni nei lavori di Virtual Dream Plaza sono tra i migliori che abbia mai sentito. Certo, conoscersi è stato intrigante perché spesso cerco di comunicare con le persone di cui amo il lavoro ed è successo in modo abbastanza naturale quando ha aperto Virtual Dream Plaza come etichetta – ho semplicemente inviato una demo e abbiamo iniziato a scambiarci mail , scoprendo tante cose in comune. Mi ha dato un sacco di conoscenze tecniche musicali, essendo un collezionista di synth/gear degli anni Ottanta, e molta ispirazione in generale… Telepath continua a stupirmi ancora molto e spero che un giorno decida di mettere a disposizione delle persone qualcosa in più su quanto c’è dietro alle cose che fa, perché c’è sempre molto sapere dietro alle sue opere così piene di significato. Ad esempio, il suo ultimo album con Agia utilizza un sistema di accordatura alternativo e contiene molto simbolismo, così come in altri suoi lavori, ma ovviamente la magia è trovare queste cose da soli. Probabilmente è per questo che preferiscono mantenere un profilo basso, lasciare che la musica parli da sola.

La descrizione su Bandcamp di All meat is grass si chiude con questa bellissima frase: «Cosa c’era di più importante? La mia serenità o la mia realtà?». Puoi dirci qualcosa di più sul concept alla base di questo album?

Sì, sono bellissime le battute di Samantha Tate, che ha scritto l’album. La sua interpretazione è andata a buon fine, poiché l’idea alla base dell’album era quella di disegnare un’immagine del futuro molto lontano in cui l’umanità si è fusa con l’intelligenza artificiale e la tecnologia, e alla fine ha lasciato la forma materiale e il pianeta per altre dimensioni… ma a un certo punto alcuni dèi hanno iniziato a provare nostalgia della Terra e dell’essere in carne, quindi decidono di tornare, di ricominciare, ma con tutte le conoscenze ottenute, in modo da poter saltare le parti della sopravvivenza biologica e dello squilibrio sociale. La miniatura di Samantha è come un momento di questo allontanamento dall’immortalità raggiunta.

Il nome dell’album deriva dal libro di Clifford Simak che ho letto da adolescente, il quale lo ha preso a sua volta dalla Bibbia, e quel lignaggio ha molto senso anche per me. Simak immagina una Terra alternativa, il pianeta pieno di fiori viola, tutti collegati in un’unica mente alveare e il loro tentativo di interagire con il mondo umano lacerato dalla politica, dall’ecologia in via di estinzione ed esistente, ai margini della guerra nucleare. Il loro mondo sembra ideale, uguale e immortale, ma allo stesso tempo incapace di abbracciare l’idea di essere separati in personalità conflittuali. Riflette perfettamente alcuni luoghi comuni advaitici o gnostici e in realtà molti altri concetti fondamentali mistici dell’Uno ultimo diviso in molti per realizzare tutto il potenziale infinito che detiene come Assoluto. Penso che l’ambiguità del nome dell’album sia che ogni carne deve essere trascesa, poiché solo lo spirito/mente è reale e riflette non solo il fervore religioso del passato, ma anche l’agenda transumanista moderna. Eppure, i fiori di quest’erba sono di una tale bellezza che valgono un’eternità. E l’eternità è sempre lì, quindi non perdiamo mai nulla mentre siamo in carne. Ma cosa ci guadagniamo?

Un’altra domanda sulla vaporwave. Alcuni anni fa l’hauntology andava molto. Probabilmente lo saprai, ma era un genere che partiva da un testo di Derrida che parlava di come lo spettro del comunismo continuasse ancora a vagare per l’Europa, anche dopo la caduta del muro di Berlino. Per quanto ne sai, c’è qualcosa del genere, che potrebbe essersi materializzato sotto forma di vaporwave? Sto parlando di una sorta di nostalgia rivoluzionaria russa che si aggira per le sottoculture… (Ti faccio questa domanda perché vivi a San Pietroburgo e sono curioso)…

Sì, conosco questo concetto abbastanza bene perché ascoltavo questa musica molto prima che nascesse la vaporwave, e in realtà si è evoluta in modo piuttosto naturale da essa. C’era questa strana sensazione di “fine della musica” a fine anni Duemila, quando tutto ha iniziato a riciclarsi a causa di anni di ripetizioni causate dal concetto capitalista secondo il quale la musica dovrebbe avere successo commerciale, copiando così sempre le formule del successo e portandole avanti fino a quando non si esauriscono. Allo stesso tempo, le cassette con i mega-hit degli anni ’80 erano ormai logore. All’epoca tutti i mercatini delle pulci post-sovietici erano inondati di cassette e nessuno le voleva, anche se solo un paio di decenni prima la gente finiva in prigione per aver ascoltato e copiato dischi stranieri su nastro.

L’occidentalizzazione ha colpito il popolo sovietico così velocemente che solo più tardi, più o meno nello stesso periodo con l’ascesa della vaporwave, è apparso un genere geograficamente specifico come la sovietwave. Suona principalmente come un’elettronica rétro copiando lo stile delle colonne sonore dei film dell’ultimo periodo sovietico realizzate con specifici sintetizzatori sovietici, ma era concettualmente più o meno la stessa cosa della vaporwave – una nostalgia per un futuro luminoso, in questo caso comunista o almeno socialista – che comunque non era mai esistita ed esisteva solo nei film di fantascienza propagandistica e nella letteratura approvata dai partiti. Anche se questo genere è generalmente ben accolto dalle persone anziane che vivevano effettivamente in URSS, la maggior parte dei suoi creatori e ascoltatori sono nati negli anni Novanta o addirittura negli anni Duemila. Ha un suono davvero attraente e ottimista ma, ovviamente, completamente utopico e serve principalmente per evadere, come fosse una capsula del tempo. A differenza, ad esempio, del genere altrettanto ottimista e brillante come il solarpunk, spesso percepito come “comunista” (cosa che non è), che non romanticizza né il passato né il futuro, ma parla piuttosto delle cose che potremmo fare in questo momento.

Penso che la sovietwave idealizzi principalmente la vita quotidiana sovietica piuttosto che l’ideologia dietro di essa, anche perché, in generale, la rivoluzione d’ottobre è stata praticamente demonizzata già dagli anni ’90, e comunemente considerata come “Terrore rosso” piuttosto che come qualcosa di cui provare nostalgia, quindi le reminiscenze più passate che puoi trovare nella musica post-sovietica riguardano più gli accoglienti parchi di Mosca, i resort di Soči e i campi estivi dei pionieri della Crimea, piuttosto che la dittatura del proletariato =)

Mi hai detto che ultimamente ti sei interessato al solarpunk. In cosa pensi che sia diverso dalla vecchia fantascienza? In tal senso, quali sono gli elementi di questo genere che ti hanno appassionato?

Anche se solarpunk è un termine più recente, coniato negli anni Duemila, ricordo questo approccio alla fantascienza dalla mia prima infanzia, quando leggevo molti libri di Ursula K. Le Guin. Ora è considerata una delle protagoniste del genere, ma penso che un immaginario così vivido e pieno di speranza per il futuro ci sia stato solo durante l’età dell’oro della fantascienza. Un altro grande esempio è Clifford Simak: anche se non c’erano connotazioni ovvie verso l’energia solare, il pensiero ecologico ha avuto un ruolo importante nella fantascienza, soprattutto dopo la crisi dei Caraibi. Il genere è diventato più oscuro dopo Gibson e la divulgazione del cyberpunk, e immagino sia accaduto semplicemente perché viviamo già in quel cyberpunk – high tech/low life e un gruppo di potenti che governano il mondo non è più solo una finzione. Dopo il covid-19 questo è diventato molto più ovvio, con lo sviluppo della sorveglianza globale, del controllo farmaceutico e così via.

Ecco perché ora è il momento migliore per il solarpunk, perché porta speranza in luoghi dove tutto sembrava perduto. La cosa più importante qui è che, a differenza di altre utopie retro-futuriste, il solarpunk è un insieme di soluzioni reali, se guardi più in profondità della superficie delle immagini lussureggianti. Dagli anni ’70, quando ad esempio Murray Bookchin fondò The Institute of Social Ecology, è iniziata la ricerca di soluzioni ai problemi del tardo capitalismo e questo è probabilmente il fondamento di quello che oggi chiamiamo movimento solarpunk. Quindi per me non è nemmeno fantascienza ma piuttosto una dichiarazione politica, un invito all’azione, perché il solarpunk ha scenari reali per costruire una società migliore libera dal dominio sulla natura e dal dominio dell’uno verso l’altro, libera dal colonialismo e dallo specismo; un mondo di armonia tra natura e alta tecnologia dove la simbiosi è una delle parole chiave. Il solarpunk condivide molto con filosofie come la biomimetica, l’architettura sostenibile, l’energia verde, la permacultura, lo xenofemminismo, il post-lavoro e la post-scarsità, l’ecologia sociale, l’anarchismo verde… Invece di dimorare nelle caverne oscure della distopia del tardo capitalismo le cui promesse di un paradiso dei consumatori non funzionano più, il solarpunk si offre di uscire da quella caverna e di andare a vivere sotto il sole, costruendo insieme un mondo migliore, senza aspettare che qualcuno al potere lo faccia per noi — perché, ovviamente, il “potere” non è fare ciò che è meglio per tutti. L’idea dell’azione comunitaria è cruciale per le filosofie solarpunk, e non è così di sinistra come potrebbe sembrare a prima vista perché non vuole sostituire una modalità di potere con un’altra – l’idea è di sopravvivere all’idea di potere e controllo degli uni sugli altri. È una rivoluzione semantica e concettuale o anche solo un’evoluzione, un passo necessario che l’umanità deve compiere per sopravvivere e mantenere fiorente questo pianeta.

Il solarpunk è un movimento legato anche all’architettura. In Italia, a Milano, c’è il famoso Bosco Verticale di Stefano Boeri, che a quanto pare piace molto a chi ama il genere. In generale mi sembra che tu abbia un rapporto particolare con l’architettura e l’ambiente, anche per quanto riguarda la creazione della tua musica. Sbaglio?

Di sicuro, il Bosco Verticale è un perfetto esempio dell’architettura futura esistente oggi, e dimostra che abbiamo tutti i mezzi per un tale tipo di paesaggio urbano. Risolve molti problemi delle città “moderne” che sostanzialmente non hanno cambiato il loro concetto centrale di organizzazione dal Medioevo, probabilmente. I trasporti e le strade dominano ancora il paesaggio, anche dal punto di vista sonoro: questo è il 99% di ciò che si sente per strada e, naturalmente, ha una relazione diretta con le nostre vite. Non voglio portare qui un atteggiamento new age, ma nonostante la mancanza di studi accademici su questo argomento, è chiaro che il suono ci influenza molto più di quanto in realtà pensiamo. Quindi sì, gran parte delle mie nozioni musicali proviene dal voler creare uno spazio più confortevole, un ambiente sicuro per rilassare le tensioni imposte dalla vita in una grande città. Tendo a usare molte registrazioni sul campo naturale per ricordare che c’è ancora natura fuori e sebbene sia raramente silenzioso, il suo paesaggio sonoro è molto diverso e spesso molto più accogliente semplicemente anche a livello fisico. Senti le onde del mare e il tuo corpo tende a rilassarsi, semplicemente a causa di migliaia di anni di evoluzione, ma anche a causa dei ricordi di vacanze al mare, svago e altre connotazioni. Allo stesso tempo, non ho mai voluto fare “musica rilassante” come ho detto prima, anche se potrebbe funzionare in questo modo – hai ragione sul fatto che il mio approccio ha qualcosa a che fare con l’architettura, perché considero la musica dei droni principalmente come una ” scultura sonora” che, a differenza del marmo, è sempre dinamica e mutevole a seconda delle condizioni di ascolto (e di chi la ascolta). In questo modo, la mia musica è simile all’idea di casa, un luogo che è molte cose, sia funzionali che ricreative, un luogo in cui tornare e sentirsi a proprio agio, un luogo in cui crescere.

Immagino che gran parte dell’architettura moderna sia legata al fatto che non costruiamo case ma piuttosto compartimenti la cui funzione primaria è dormire tra le ore di lavoro in città, che è fondamentalmente una linea diritta, anche se topograficamente piegata, tra il tuo lavoro e il tuo letto (ed è solo perché il capitalismo non è ancora riuscito a monetizzare i sogni, lol). C’è così poco altro in mezzo che sembra solo un piccolo scorcio tra quei modi di produzione del reddito. Immagino che tu possa considerare la mia musica come un progetto architettonico di vita a forma di grande L, dove il lavoro è qualcosa che vuoi fare piuttosto che devi fare; dove creare cose, sognare, riposare, giocare e girovagare nella foresta vicina non sono meno importanti.

Secondo te, come può il solarpunk influenzare anche la musica?

Questa è una buona domanda perché in questo momento sono praticamente nel mezzo di un esperimento che ne è derivato. Nel periodo in cui è iniziata la pandemia ero seduto nel mio appartamento di allora ai margini della città, al nono piano con finestre che si affacciano sulla foresta da cui la costruzione di un altro 20 piani stava crescendo lentamente nonostante tutte le misure e restrizioni legate al covid. Ogni giorno, la vista dal balcone dei camion pieni di alberi morti sradicati era un po’ in contrasto con la mia musica registrata proprio lì, con tutte le registrazioni sul campo che ho fatto in quella foresta…

Il mio pensiero era che la musica tradizionalmente “amante della natura” probabilmente non funziona più, poiché rappresenta un mondo idealizzato senza le società di costruzioni che costruiscono appartamenti economici per i lavoratori migranti. E queste persone hanno davvero bisogno di quegli appartamenti, quindi non c’è una risposta semplice. Così ho pensato che forse tale musica dovrebbe essere più politica, non nel senso di affermazioni dirette, quanto piuttosto nel suo nucleo, implicando un cambiamento radicale di pensiero e sentimento. Penso che sia troppo tardi ora perché l’umanità si giri e lo faccia “alla maniera hippie”, inoltre, non mi sembra in realtà che questa sia mai stata una soluzione. Abbiamo la tecnologia, abbiamo Internet, e questi strumenti possono fare più bene che male, se applicati correttamente – e anche la musica è tecnologia. La tecnologia, che è indistinguibile dalla magia. Perché non usarla allora?

Quindi sì, un anno dopo ho iniziato a spingere la tradizione del solarpunk sul Twitter di Global Pattern, preparando il terreno per una compilation musicale di quel tipo. Penso che la vaporwave abbia già avuto questa atmosfera in una certa misura, ma è sempre stata da qualche parte dietro la critica ironica del consumismo, andando così lontano da non risultare più così chiara il suo intento, ovvero se quella fosse critica o glorificazione. Quindi ho pensato che potesse aprirsi di più con una nuova svolta verso il solarpunk. Ci sono stati esempi di ideologia solarpunk applicata alla musica in precedenza – compilation dell’etichetta KIIBERBOREA, ma anche alcuni artisti solitari sparsi per Bandcamp… Volevo solo raccoglierne il maggior numero possibile e dare loro un pubblico più ampio per vedere cosa succedeva.

La prima compilation “Solarpunk: A Possible Future” ha causato un’enorme raffica di commenti su Youtube, facendo scontrare appassionati ispirati con pessimisti radicali, e sono stato davvero felice di vederlo perché questi sono argomenti che hanno davvero bisogno di discussione. È stato emozionante vedere che molti artisti hanno immediatamente preso ispirazione, iniziando a plasmare un nuovo tipo di suono sull’orlo dell’elettronica post-vapor, dell’ambient organico, dell’EDM e della sound art… sta già influenzando la scena provocando il dibattito su alcuni argomenti importanti che di solito vengono evitati dagli artisti, ma usati per fare musica per sfuggire alla realtà – e chi può biasimarli, viste le condizioni di cui abbiamo discusso con le questioni precedenti…

Per concludere penso questo: il solarpunk può essere quella motivazione contro l’evasione e il superamento dell’idea che la musica sia semplicemente “un prodotto da trasmettere in streaming” invece di uno strumento magico per plasmare il mondo.