Home > Approfondimenti >Tortoise

Caratteri: [Small] [Medium] [Large]

Tortoise

Tortoise: forma o sostanza? Effimero fenomeno o band sopra le righe? SA, in occasione dell’uscita “It’s All Around You”, dedica uno speciale approfondito a una delle band più discusse degli anni novanta.
La scheda comprende: un’introduzione critica, l’intervista a Doug McCombs, la recensione di tutti gli album nonché la guida all’ascolto di singoli e remix.

Revisionismo

I Tortoise nascono quando, durante gli anni Novanta, la scuola di Louisville sfuma in quella di Chicago, attraverso uno degli alberi genealogici più appassionanti della storia del rock: se da un lato l’ensemble sta a un estremo di questo percorso, dall'altro ci stanno gli Slint, secondo una vulgata ormai raccontata da tanti. Cosa i secondi abbiano insegnato ai primi, e come si sia arrivati dagli uni agli altri, è però una domanda destinata a diventare classica. Un quesito non ozioso, il cui interesse giace nella curiosità di comprendere se, e quanto, la decostruzione effettuata dai Tortoise dagli Slint (e dai Gastr Del Sol) si ritrovi poi effettivamente nella musica dei Tortoise ragazzi di Louisville.

Ebbene, a mente fredda, e basandosi soltanto sul fatto squisitamente musicale, il legame tra i due gruppi appare oggi più aneddotico che sostanziale, piuttosto legato alla militanza di alcuni musicisti in determinate formazioni, anziché ad un programma musicale in fieri da un gruppo all'altro. Troppo forzato ci sembra oggi un filo che unisca brani glaciali come Good Morning Captain o Breadcrumb Trail alle aperture ariose di TNT, alla melodia commovente di Along The Banks Of River, o agli intrecci compositivi di Night Air, Glass Museum o The Suspension Bridge. A distanza di anni, insomma, non resta che constatare quanta distanza realmente corra tra il "rock che non è più blues" degli Slint e il "rock che è quasi classica" dei Tortoise. Una distanza molto superiore rispetto a quella percepita all'epoca, tanto che ci sembra di poter tentare di rileggere i Tortoise in altra chiave e di poter ritenere un simpatico paradosso il successo del gruppo presso gli appassionati di rock alternativo.

Ricordiamo infatti, con una piccola digressione storica, come all'inizio degli anni Novanta il pubblico dell'indie-rock fosse prevalentemente formato da appassionati di gruppi che si ispiravano a formazioni come Husker Du, Sonic Youth e Fugazi. Si trattava sostanzialmente di una schiera di appassionati erede di un retaggio anti-progressive, ostile a tastiere e percussioni. Rispetto a questo background gli Slint erano una evoluzione relativamente potabile (ricordiamo che le uscite del gruppo risalgono al periodo tra l'88 e il '91 ma vengono "digerite" solo negli anni successivi). Per contro, il fatto che da lì, seguendo le etichette, le collaborazioni e la migliore critica che nasceva in quegli anni, si giunga ai Tortoise ha il sapore della beffa. I post-punk non avrebbero potuto immaginare di ritrovarsi, non si sa come, ad ascoltare un gruppo neo-progressive che suonava duetti di basso e vibrafono.

La storia del rock è stata molto generosa con i Tortoise, un gruppo con molti più debiti di quanti ne vorremmo ammettere. Non ci sono gli Ottanta underground dietro ad essi, ma i Settanta più dimenticati. Tra le svisate di basso del primo album si nasconde lo Hugh Hopper di 1984 e tutta Canterbury. La musica di Millions Now Living Will Never Die omaggia nella struttura il progressive (una lunga suite che idealmente doveva riempire una facciata del vinile) e nella forma Neu!, Steve Reich e Morricone. Le melodie di TNT indulgono a lungo nei territori del jazz-rock.

Non si vuole in questo modo sottrarre meriti alla musica del gruppo, capace di esplorare territori di raffinatezza compositiva di solito alieni al rock (pensiamo soprattutto a Millions e TNT) e spesso superiori anche ai loro stessi ispiratori. Nella musica dei Tortoise l'assolo è bandito, ma non a favore del ritmo, come già fecero i Talking Heads, bensì a favore dell'intreccio, presumibilmente realizzato grazie ad un lavoro di cut-up e produzione certosino (davisiano, verrebbe da dire).

Le composizioni disorientano perché non è mai chiaro chi sia dietro ad ogni singolo strumento e se esista una struttura tradizionale (strofa, ritornello, ponte). Allo stesso tempo, attraggono con un'aria di familiarità perchè sono piane e limpide, fino al limite della pedanteria. La loro musica non innova, perchè non ispira epigoni che siano in grado di partire da essa per andare verso nuove direzioni. Piuttosto, è un monolito che atterrisce, nella perfezione della sua autoreferenzialità. Tutto sommato i Tortoise sono stati un mirabile ensemble di produttori, e sono un gruppo di post-rock solo se si accetta per il termine una definizione molto ampia e vaga (come potrebbe essere "rock psichedelico").

E' per questo vivere tra gli equivoci che il vero corrispettivo storico dei Tortoise sono i Pink Floyd. Come quelli, i Tortoise suonano una musica nitida, dove il timbro (del basso, del rullante o della chitarra, a seconda del disco e del brano) gioca lo stesso ruolo della chitarra satura di Gilmour. Come quelli, i Tortoise appaiono anonimi e sfuggono al divismo, all'interno dei rispettivi bacini di utenza. Come quelli, sono ammirati da tutti ma non hanno generato una scuola di seguaci. Come quelli, hanno inseguito un astratto ideale di "classicità" raggiungendolo a tratti e camminando sul filo sottile del manierismo, fino a cadere inevitabilmente nella trappola del clichet con Standards.

Da ultimo, come i Pink Floyd anche i Tortoise sono uno dei bersagli preferiti dei revisionisti.

Intervista ai Tortoise

L'uscita di It's All Around You è stata per i Tortoise l'occasione per un lungo press-day con la stampa italiana e noi abbiamo raggiunto telefonicamente Doug McCombs, bassista e portavoce del gruppo. Oltre ad essere persona assai disponibile e estremamente paziente, cosa non facile dopo un'intera giornata dedicata ai giornalisti, Doug è grande appassionato di musica e dalle sue parole traspare una competenza, una chiarezza di idee e soprattutto una capacità di giungere al "punto" della domanda non sempre facile da trovare nell'interlocutore di un'intervista. Ne approfittiamo per chiedergli della loro ultima fatica ma anche di altre questioni legate in generale alla musica di questo gruppo ormai storico della scena underground americana.

- "It's All Around You" è prodotto in un modo un po’ diverso dagli altri dischi, vero?
« Ha richiesto più tempo e sessioni degli ultimi due album, "TNT" e "Standards". Forse in questo senso possiamo dire che è prodotto meglio. In generale ogni volta che realizziamo un nuovo disco, ci troviamo più a nostro agio con l’intero processo produttivo e affiniamo la nostra tecnica nel lavoro in studio. In ogni nuovo disco diventiamo più consapevoli del significato delle canzoni in termini di architetture sonore e produzione».

Sin dai primi ascolti ho avuto l’impressione che “It’s All Around You” fosse più lineare e accessibile dei lavori precedenti…
« Non penso sia più lineare, anzi… personalmente lo trovo più complesso di “Standards”, per esempio. Anche se esistono molte similitudini tra questi due lavori. "It's All Around You" ha un range più ampio a livello di dinamica. Accadono molte più cose sia in primo piano che sullo sfondo».

Ho notato un uso più limitato dell’elettronica. L’album sembra più “suonato” dei primi lavori, non trovi?
« In realtà l’elettronica è presente quanto nei dischi precedenti. Penso piuttosto che sia meglio integrata nell’impianto strumentale… più nascosta in un certo senso, ma la cosa non è esattamente voluta. Ci siamo abituati disco dopo disco a utilizzare l’elettronica in modo più trasparente, è stato un processo naturale».

In "The Lithium Stiffs" c'è la voce di Kelly Hogan. Penso sia una delle prime volte che vi servite di voci aggiunte nelle vostre canzoni, anche se in questo caso è utilizzata più come uno strumento. Come mai questa scelta? Possiamo aspettarci altri tentativi in questa direzione, in futuro?
« Probabilmente sì. Sai, per noi l'uso di voci in un disco è una novità, rappresenta un bel cambiamento e soprattutto una bella sorpresa per l'ascoltatore. Il fan medio dei Tortoise, infatti, non si aspetta esattamente di ascoltare delle voci in un nostro disco e così quando ci si trova di fronte resta un po' spiazzato. Potremmo ripetere l'esperimento in futuro... non so dirti quali siano le possibilità che i Tortoise collaborino con un cantante o un cantautore. Finora non lo abbiamo fatto perché non si è presentata mai la possibilità ma siamo assolutamente aperti a qualsiasi idea: è solo una questione di opportunità».

- Mentre "Dot/Eyes" ha una batteria "hard rock", in "Salt the Sky" c'è un riff di chitarra hard. Per un momento ho pensato di ascoltare i Black Sabbath! C'è dunque un omaggio al vecchio hard rock in questi pezzi?
« In effetti anche “Crest” ha questo tipo di sviluppo. Tutto questo fa parte della nostra esperienza musicale collettiva, molte cose diverse sono confluite nel tentativo di realizzare questo disco, molte esperienze finiscono in ogni nuovo disco dei Tortoise. Abbiamo sempre cercato di pensare in modo diverso, di porre a confronto e far collidere vari stili e generi musicali per creare qualcosa di nuovo. Penso che "Salt the Skies" rappresenti al meglio uno di questi momenti di ricerca».

- Nonostante la vostra musica sia fortemente debitrice verso la classica contemporanea, basta citare lo Steve Reich di “Music for 18 Musicians”, il suono dei Tortoise ha sviluppi diversi: alla base c’è sempre una ricerca melodica, un movimento armonico assente nei Minimalisti che citate.
« Sono fondamentalmente d’accordo, anche se alcuni nostri pezzi conservano la staticità di Steve Reich. Nel resto della produzione proviamo ad aggiungere un certo contenuto melodico alle idee classiche, basta ascoltare le parti di xilofono. In realtà non siamo interessati alla classica contemporanea ma ci affascina l’idea di combinarla con la musica popolare per realizzare qualcosa di nuovo e non ascoltato prima».

- Credo che "Standards" sia un buon album per la prima metà. La cosa positiva in quel disco è l'ironia, la band dimostra di non essere così seriosa come i critici la definiscono... ma ritengo d'altra parte che sia un lavoro molto confuso, incerto su quale direzione seguire. Come vedi "It's All Around You" in rapporto a "Standards"?
« Come ti dicevo prima penso che siano molto simili, anche se ritengo che quest'ultimo sia più complesso: accadono molte più cose rispetto a "Standards" che invece è più omogeneo. Non sono d'accordo però con la tua affermazione, per me restano due ottimi dischi che hanno molto in comune».

- Il jazz è un'altra influenza importante per la vostra musica anche se ritengo che la critica esageri nel considerare i Tortoise come un gruppo jazz-rock. Personalmente non trovo molte somiglianze con gruppi come Soft Machine, National Health, Caravan…
« La penso esattamente come te. Il jazz è una fonte d'ispirazione notevole per noi, inutile negarlo, ma ad ogni modo quel che suoniamo non è jazz! I critici dovrebbero capirlo, basta pensare che anche l'improvvisazione, che rappresenta uno degli elementi chiave per distinguere cosa è jazz da cosa non lo è, nei Tortoise è quasi assente».

- Ogni membro dei Tortoise è impegnato in uno o più progetti paralleli. Quanto incidono i rapporti con gli altri musicisti sulla musica del gruppo?
« Incidono in maniera decisiva: suonare in altri progetti per noi significa fare nuove esperienze, proprio perché lavoriamo con gruppi di persone differenti che hanno modi di pensare alla musica diversi dai nostri. Questo bagaglio di esperienze accumulato nei progetti paralleli torna utile quando ci riuniamo nei Tortoise perché ognuno mette a disposizione degli altri le sue nuove conoscenze, c’è un libero interscambio delle idee ed esperienze realizzate».

Come fate a ricreare la complessità dei dischi durante i concerti? Che approccio utilizzate in fase di arrangiamento dei pezzi?
« Nella dimensione live la nostra musica guadagna sotto il profilo della dinamica. Mentre alcuni elementi acquistano rilevanza unicamente dal vivo, altri possono anche essere trascurati e omessi. Durante i tour suoniamo quasi tutte le canzoni dei nostri album in modo da capire come ciascuna di esse funzioni dal vivo, di quale sia l’arrangiamento più opportuno, quali gli elementi da valorizzare per ottenere un buon risultato. Non suoniamo mai le canzoni esattamente come sono su disco, il più delle volte le integriamo con brevi passaggi che fanno da collante o da chiusura».

Singoli ed EP

Prima pubblicazione dei Tortoise, Mosquito (US 7" in vinile trasparente, Torsion Music, 1993) è caratterizzato dalle percussioni ovattate di Goosneck, le cui ritmiche rassicuranti si incastrano nei tre temi portanti del brano. Un processo musicale che agisce per sostituzione e che propone in embrione quanto di strabiliante le tartarughe riusciranno a creare nel lato B di Gamera. Mosquito è invece pervasa di un’elettricità che si mischia alle prime idee di sapore post rock, riservando la chiusura della facciata alla spettrale Onions Wrapped in Rubber. Lonesome Sound (US 7" Thrill Jockey, UK 7" City Slang, 1993) è il secondo EP, l'ultimo che precede la realizzazione dell’album di debutto. La sua particolarità consiste nel brano d’aperura omonimo: mesta cover dei Freakwater, che tuttavia anticipa gran parte degli umori Alt. Country (si ascolti il drumming di John Herndon). Reservoir, a seguire, è un brano ricco di reminiscenze slintiane: canto in sotto tono e refrain che non dispiaceranno ai June Of 44. Sheets, che chiude l’ep, vira su un mood più cupo, tra esercizi di stile orientali e piccole improvvisazioni su una base di basso. A parte la cover, che rappresenta un caso isolato nella discografia del gruppo, questo lavoro

fotografa i Tortoise a metà strada tra il sound della band madre di ogni Post-Rock e quello, definitivamente emancipato, che sarà raggiunto pochi mesi più tardi da McCombs e compagni grazie al long-playing omonimo.

Vinile 12” molto raro, Gamera (UK 12" Duophonic Super 45's, 1995) ha col tempo assunto lo status di vero oggetto del desiderio e – per alcuni – summa musicale delle capacità mostrate dal combo di Chicago. Stampato dalla Duophonic nella serie Super 45’s, di questo disco sono state stampate ben quattro edizioni: una rossa, una trasparente, una nera (1500 esemplari ciascuna) ed una gialla fluorescente (limitata a 1000 copie). L’apertura del lato A è agreste, calma e gentile prima della vera partenza kraut-rock, a ricordare le affascinanti ed avvolgenti trame dei Neu!. La libertà espressiva, la concitazione musicale, i preziosi intarsi strumentali, le ritmiche studiatissime, le parti elettroniche perfettamente calibrate, tutto funziona in maniera eccellente.

Gamera resta un momento irreplicabile della discografia dei Tortoise, accostabile solo alle memorabili elucubrazioni di Djed ed al caleidoscopio musicale di Cliff Dweller Society. Questo brano riempie per intero il lato B del 12” Duophonic e per oltre quindici minuti ci trasporta in un’avveniristica dimensione parallela. Impossibile descrivere concretamente quel che accade in questo brano, dove estratti musicali si alternano alla recitazione di preghiere, melodie per orchestre si sostituiscono ad incursioni nelle oscurità dub. L’avvicendarsi di queste "visioni acustiche" viene presentato senza soluzione di continuità e parrebbe non aver termine. Perfino la chiusura, con l’eco di percussioni in loop, dà l’idea di una bobina che si riavvolge, di un viaggio che non ha termine. Un vinile straordinario, mai ristampato ma le cui due tracce sono reperibili anche su cd: Gamera nell’edizione giapponese di Millions Now Living Will Never Die, Cliff Dweller Society sulla prima compilation dell’All Tomorrow’s Parties (curata per l’appunto dai Tortoise).

Fortemente influenzato dal jazz e dalle trasformazioni che questo genere sta fruttuosamente subendo a Chicago, Why We Fight (UK 7" Soul Static Sound, Soul 7 ,1995)accosta stridori provenienti da lontano assieme a chitarre elegantemente dissociate. Se la ritmica del lato A si fa incalzante, Whitewater assume un’aria più oscura e sgranata, scandita da un beat minimale e da drones sfarfallanti. Questo 7”, uscito originariamente nel 1995, è stato poi ristampato l’anno successivo con la cover di colore differente. Vaus (UK 7" Duophonic, 1996), vinile 7” – visivamente affascinante grazie ai suoi colori fluorescenti e stampato in circa 4000 copie (3000 per l’edizione blu, 1000 per quella arancione distribuita durante il tour giapponese) – presenta la title track, una traccia all’insegna del post-rock in cui le reiterazioni ed i loop si attorcigliano su di un semplice riff chitarristico.

Un cambio improvviso sposta la traccia verso un finale più elettronico, ma sono semplici idee, note a margine in una discografia di ben altra caratura. Più interessante Speedy Car, il lato degli Stereolab: anch’esso incentrato su un loop in andamento circolare ma dai toni più squillanti, il brano risulta quasi giocoso e sempre pervaso da quello spirito sixties tipico della band di Tim Gane. Vinile 7” di un bianco candido, Tour 1998 (US 7" Thrill Jockey, 1998) è stato venduto esclusivamente durante il tour che la band ha intrapreso nel 1998. L’andamento è più febbrile e divertito del solito, tanto da prestare l’orecchio alla tradizione sudamericana ed a svelarci un’inaspettata vena goliardica della band. Il lato B riserva invece una versione ancor più elettronica del brano, con rapidi inserimenti di beat ed una conclusione a singhiozzo che si interrompe di netto.

Disponibile soltanto ai concerti della band tenuti nel 2001 (ma ora anche tramite il sito della Thrill Jockey), Gently cupping the chin of the ape (US CD, Thrill Jockey, 2001) si compone di due brani outtake di Standards e tre tracce video. La traccia d’apertura, Waihopai, gioca su caldi smalti latini e un senso di impalpabile malinconia ma, verso la fine, cede il passo all’improvvisazione per sole percussioni; mentre Peering è un velleitario esercizio di synth pop alla maniera dei Tortoise, un brano assolutamente trascurabile per drum machine e un motivetto banale sulla falsariga di quelli della Warp degli anni novanta. Per quanto riguarda i video spicca Seneca (traccia d’apertura di Standards), clip in stile MTV dove sono ripresi scienziati in camice bianco nel tipico laboratorio pieno di bottoni e leve. Le restanti consistono in montaggi di riprese effettuate ai concerti. Solo per collezionisti.

Altro disco tanto imprescindibile quanto di difficile reperibilità, Rhythms, Resolutions & Clusters (US LP/CD Thrill Jockey, UK CD City Slang, 1995)è stato venduto durante il tour del 1995 sia in CD che in vinile. L’album presenta delle rielaborazioni di brani pubblicati sul primo album omonimo dei Tortoise e parte con lo stravolgimento di batteria ed electronics perpetrato dal geniale John McEntire alle prese con Alcohall. Your New Road viene remixata da Rick Brown, che ne rivendica il lato allucinato e mesmerico prima di cedere il terreno al proto-glitch di Casey Rice in Cobwebbed.
Steve Albini preferisce invece dilungarsi su registrazione di ambiente casalingo in The Match Incident, che aggiunge alla parte prettamente musicale una collezione di porte che vengono chiuse, bottiglie stappate, programmi televisivi e sospiri. Il lato B si apre invece con una versione dub di Tin Cans (The Puerto Rican Mix) a cura di Brad Wood, che fa risuonare insistentemente il basso attraverso bleep e chitarre prima di incanalarsi nelle atmosfere oscure di Not Quiet East Of The Ryan; la traccia si rivela carica di un black-sound acceso da vibrafono e tromba, e vede all’opera Bundy K. Brown con il sussidio tecnico di John Herndon e quello musicale di McEntire, Wood e Bitney. Il disco finisce per sciogliersi nei minimalismi di Jim O’Rourke e nelle sue modulazioni di frequenza che si incrociano all’insegna delle pura destrutturazione. Un album sorprendente, ben poco vincolato dalle versioni originali dei brani ma che segna la strada che porterà i Tortoise alla registrazione di Millions Now Living Will Never Die.

Nel 1996 viene stampata una serie di quattro vinili comprendente vari remix di impronta elettronica e di altissimo livello Remixed (JP CD Tokuma, US CD Thrill Jockey, 1996); data la non facilissima reperibilità di questi 12”, i brani vengono successivamente racchiusi in un pratico cd uscito su Thrill Jockey per il mercato americano e su Tokuma per quello giapponese. Si parte con U.N.K.L.E., alle prese con il capolavoro dei Tortoise originariamente apparso su Millions Now Living Will Never Die: Djed – Bruise Blood Mix sfrutta il loop ipnotico concepito dalla band di Chicago per dispiegare un tappeto ritmico insistente ed a tratti sincopato. Esattamente ciò che ci si potrebbe aspettare dalla creatura di James Lavelle nel 1996, per un remix senza infamia e senza lode ma certamente insufficiente se paragonato al talento di John McEntire. Il produttore infatti si misura sulla stessa traccia (in questo caso rinominata Tjed) tirando fuori dal cilindro uno dei migliori esempi di post rock di quegli anni, capace di mischiare alla perfezione elementi elettronici, riferimenti progressive, accenti jazz ed un’urgenza assolutamente rock.

Un brano straordinario, cui seguono gli stravolgimenti di Bubble Economy e Learing Curve a cura di Markus Popp: la prima traccia, destrutturata e ridotta all’osso, sembra richiamare gli esperimenti di Fennesz, trasferendoci in un mondo stralunato e iridescente, mentre il mood si fa molto più oscuro nelle micro dissonanze del secondo pezzo. Spring Heel Jack si tuffa in un drum’n’bass elegante e a basso voltaggio, che non rivela particolari sorprese e che non sembra sfruttare a dovere le possibilità di un brano come Galapagos, mentre Jim O’Rourke si mostra sinuoso e particolarmente versatile col remix di Reference Resistance Gate.
La traccia è inoltre ottimamente strutturata e bilanciata, un corpo unico che si svela con l’andare dei minuti e che si arricchisce di suoni cristallini. Luke Vibert rifà il trucco a Taut & Tame e a suo merito va la capacità di carpire e rimaneggiare gli aspetti più intriganti del brano. Ciononostante il suo lavoro non è fra i più brillanti e rimane in secondo piano anche se paragonato con Find The Time. Al remix di Bundy K. Brown partecipano anche Bob Mazurek (perfettamente riconoscibile alla tromba) e Jeff Parker, dilungandosi (forse eccessivamente) in una lunga suite minimale, sempre sul punto di esplodere ma perennemente in movimento. Una giusta chiusura per un disco a tratti imperdibile, giustamente da posizionare al fianco della discografia ufficiale della band.

Ancora un remix realizzato dagli stessi Tortoise, questo Jetty 99 appare sull’ormai storica compilation Chicago 2018… It’s Gonna Change (Clearspot, 2000). Un doppio cd essenziale per comprendere l’evoluzione della città e l’interazione fra le diverse band che vi hanno operato nello scorso decennio, tanto importante da poter essere identificato come il testamento spirituale del post rock.
Anche stavolta le affinità con l’originale incluso in TNT si fanno evanescenti, puntando prevalentemente su un ritmo sincopato ed una trama musicale frantumata. Risulta essenziale l’uso di electronics, mentre una liquidità sotterranea scorre attraverso i suoni ambient ed i tremori cristallini del remix. Un doppio cd in ogni caso eccezionale, grazie anche alla presenza (fra i tanti) di Bobby Conn, Sam Prekop, Jim O’Rourke, Chicago Underground Duo, Ken Vandermark 5 e Isotope 217.

Compilation del 1995 pubblicata per il mercato inglese e statunitense, Macro Dub Infection (UK CD Virgin, US CD Caroline, 1995)affianca prevalentemente artisti di matrice anglofona musicalmente affini a reggae e derivati. I Tortoise partecipano con Goriri, più tardi diventato un brano di culto e ripresentato esclusivamente sull’edizione giapponese di Millions Now Living….
In quasi sette minuti McEntire e soci si sbilanciano in sonorità alquanto vicine a quelle del secondo album, arrivando quasi ad interrompere la traccia con un sommesso bisbiglio e ovviamente concentrandosi sulle interazioni fra basso e batteria. Puntando su una produzione accurata e ragionata, i Tortoise preparano uno dei brani più interessanti di questa doppia compilazione, sbaragliando la concorrenza di Laika, Coil, 4 Hero e Tricky. Macro Dub Infection rimane comunque un esperimento riuscito, soprattutto perché non si è rinchiuso negli stilemi di genere ma ha affrontato il genere dub da una molteplicità di angolature. Il successo dell’operazione ha portato la Virgin a pubblicare il secondo volume nel 1997.